"El espejo" Novela va a recibir un premio;

 Uno de los prestigiosos "Galardones Ciudad de Alcorcón" en la categoría de artistas, la ceremonia tendrá lugar en Marzo de 2014 aunque me llamaron anoche y me lo confirmaron.
Como me ha suscitado mucha emoción ya que en el campo de la novela estoy recién estrenada no he podido evitar compartirlo con vosotros, los lectores de mi blogg de cine.
Deciros que tras mi "desvinculación" de la última emisora en la que he estado llevando temas de cine me había alejado un poco del blogg, también por temas de promoción de la novela, pero en breve voy a volver con él, con más cosas relacionadas con el cine y con la crítica cinematográfica.
Muchas gracias a todos los que me habéis apoyado.
Os dejo un link de uno de los portales donde se puede adquirir mi novela, ya iré colgando más conforme vea que los portales la van subiendo;
http://eraseunavez.org/epages/ec2503.mobile/es_ES/?ObjectPath=%2FShops%2Fec2503%2FProducts%2F157

Esta es la portada, pronto saldrá la segunda edición bien revisada, la primera ha tenido alguna que otra errata pero bueno....se mejora con los años, ya lo sabéis.

Novela: "El espejo".

"EL ESPEJO", Novela.
Autora; Tamara  Amado Navas.

Se que había dicho que este blog era exclusivamente de cine y aunque lo mantengo voy a publicar la que espero sea mi primera novela. Como por facebook es un poco complicado colgar la sinopsis entera la prefiero dejarla en mi blog y luego colgarlo como publicación en face.
 El facebook de la novela es ; El espejo novela, allí iré colgando las novedades en el proceso de edición, actualizando fechas y puntos de venta, si alguién quiere agregarlo os doy las gracias de antemano.
 En principio sale para primeros de Octubre y ahora como lo prometido es deuda ahí os dejo con la sinopsis.

                                           EL ESPEJO. 

SINOPSIS DE LA NOVELA;

Se trata de una novela de ficción que nos transporta a otra época, a otro lugar, donde ser diferente del resto y tener ciertas habilidades o sensibilidades te podía llevar a la hoguera. Una época en la que las mujeres sólo servían para dar a luz y cuidar del hogar varios personajes femeninos se aventuran hacia su libertad.

Esta es la historia de un pequeño Moisés medieval de nombre Jhonathan que se criará sin su madre biológica pero que conseguirá salir adelante gracias al cariño y cuidado de varias mujeres que se cruzan en su camino.

Temas como el amor maternal, el maltrato, la pobreza, la caza de brujas, la amistad, el mundo de lo onírico y el poder se dan cita en esta historia llena de misterio que mantiene al lector el vilo hasta un final totalmente inesperado y sorprendente.

El estilo es sencillo pero a su vez mimetizado con la época, sus gestos, sus hablares y costumbres lo que proporciona al lector una inmersión más completa.

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Una noche gélida, Ana se escapa de su casa para enterrar el cuerpo de su hijo recién nacido. Ha dado a luz en su casa, sola, el niño nace muerto, prematuro y con malformaciones. Teme que su marido vierta sobre ella una acusación de brujería y la quemen. Se adentra aterrada en el bosque y un giro del destino cambiará su vida para siempre.

Allí, escondida entre la maleza verá como unos nobles abandonan a un recién nacido para que muera, ella lo recogerá creyendo que nadie la ve y lo criará como suyo, si embargo no fue la única que presenció lo ocurrido aquella noche, desde entonces un  extraño personaje acecha desde lejos la vida del pequeño. Cuando el protagonista cuenta con seis años de edad, ella muere como consecuencia de la violencia de su marido. Jhonathan llenó de ira empuja a su padre, este cae en un pozo y muere también. Esta sólo y tiene miedo.

Comienza entonces su vida a convertirse en una espiral en la que está continuamente empezando de cero como un Sísifo que vuelve al principio y sólo al final consigue escapar de esa vorágine.  

Pasa a formar parte del mundo de los que viven al margen encontrando el amor en unas prostitutas que lo acogen en un burdel y lo crían con cariño.

Paralelamente nos encontramos con la historia de otro personaje entrañable, la princesa María. María sabe que su padre no la quiere, que la quiere vender como mercancía al mejor postor pues es su única heredara pero ella choca con las ideas de su padre.  Sueña con ser libre y conocer el amor. Sus sueños se trasforman en esperanzas tras una profecía que le echan en palacio que afirma que será salvada de la esclavitud.

María porta un espejo muy especial que heredó de su madre. Un espejo que posee un extraño poder, invoca a personas e imágenes, influenciado por el mundo de las brujas y los magos, de la superstición, que cobrará importancia a lo largo de la novela.

Un suceso inesperado hará que ambos personajes se encuentren y queden prendados el uno del otro.

En está novela se analiza el problema de la libertad y el destino, como ya se nos indica al comienzo con unas palabras de Eric Fromm. No ahorra nada a la hora narrar las descripciones más crudas aportando así una visión real de la época en la que se desarrolla, especialmente de las condiciones de vida de las mujeres, esclavizadas por sus maridos o padres sin tener en cuenta su voluntad.

Se señala la hipocresía de aquellos tiempos, la llamada doble moral católica; un marido que apalea a su mujer hasta la muerte pero que se cree un buen cristiano, o un rey que trata a su hija y vasallos con la mayor desconsideración y lee pasajes de la biblia antes de dormir.

Es una obra dividida en seis partes que tiene por momentos tintes de Dickens, el niño sometido a situaciones que nos corresponden con su edad.

El niño es testigo de lo terrible que puede ser la experiencia, el ambiente descrito es sórdido y lúgubre, es la vida de los marginados que tienen que luchar a destajo para conseguir solamente sobrevivir, bajo un poder déspota que en absoluto atiende a los más desfavorecidos.

Nos da cuenta como el cuento de Oscard Wide, “El cumpleaños de la infanta”, que el amor necesita de la belleza mientras que el poder se entiende con lo grotesco.

"Los 400 golpes" de Françoise Truffaut:

TRUFFAUT  LOS 400 GOLPES:

De un proyecto colectivo de cortometrajes que ilustra varias historias acerca de la infancia retomará Truffaut algunas de las ideas que incluirá en  Los 400 golpes; la fuga de François, los novillos, el regreso, la nota, la mochila detrás de la puerta…muchas de estas anécdotas son sacadas directamente de experiencias de su propia juventud. Podemos incluso hablar casi, casi, aunque el autor no lo reconozca, de adaptación de hechos biográficos pero él siempre prefirió presentarlo como una ficción.

Para confeccionar el verdadero guión Truffaut extrae la materia prima de su propia adolescencia, de su paso por el colegio de la rue Milton en otoño de 1943  hasta el centro de observación de menores de Villejuif  en diciembre de 1948. Para ello pide ayuda a su amigo de juventud, Robert Lachenay, para que apunte recuerdos de cosas que ambos compartieron. De hecho el personaje de Antoine no es Truffaut, es una amalgama de los dos, de él y de su amigo.

Condensa en un espacio de tiempo relativamente corto, cinco años de su vida, que traslada desde la Ocupación y la inmediata posguerra al presente de los años 50. Truffaut lo que hará será maquillar algunas referencias autobiográficas tales como; que la pasión del padre de Antoine sean los coches, no como la del padre de Truffaut que era el alpinismo…

El verano de 1958 el guión cuenta con noventa y cuatro páginas y ya con su título definitivo.

Su esposa Madeleine dirá acerca de que sea su padre el productor de está película:

“Evidentemente se decidió a producir Los 400 golpes para ayudar a nuestro matrimonio, para dar una oportunidad al marido de su hija de que demostrara que era capaz de hacer cine”. (Antoine de Baecque y Serge Toubiana. Segunda edición 2006, la edición que se revisó es de 2001, el texto original de 1996.Pág 186).

Se rodará en cinemascope, en blanco y negro de alto contraste, iluminación natural y cuenta con el rápido trabajo de uno de los mejores directores de fotografía del momento; Henrie Decae. Su contratación constituye la inversión más grande de la producción.

El éxito de la película recae directamente sobre la actuación de los dos adolescentes. Pretende demostrar lo que la infancia tiene de universal y para ello reunirá una importante cantidad de documentación acerca de los adolescentes, de su psicología, llegando incluso a consultar un par de veces a dos jueces del tribunal tutelar de menores.

“Creo que al principio había mucho de mi mismo en el personaje de Antoine. Pero a partir del instante en que Jean-Pierre llegó, su fuerte personalidad me obligó a menudo a modificar el guión” Escribió el cineasta.(Antoine de Baecque y Serge Toubiana. Segunda edición 2006, la edición que se revisó es de 2001, el texto original de 1996.Pág 190-191).

Muere André Bazin la noche del 10 al 11 de noviembre de 1958, a los 40 años. (Antoine de Baecque y Serge Toubiana. Segunda edición 2006, la edición que se revisó es de 2001, el texto original de 1996.Pág 191). Crítico cinematográfico y fundador, en 1951, entre otros de la revista Cahiers du Cinéma, revista en torno a la cual se configura un movimiento cinematográfico que denominaros los críticos como  Nouvelle bage, nueva ola de cine francés en la que Truffaut estuvo inmerso y llegó a ser su máximo exponente.Bazin era un gran amigo de Truffaut que comenzará muy angustiado y de luto el rodaje de Los 400 golpes. En cuanto tiene momento abandonará el rodaje para estar con los familiares, allegados y amigos de Bazin.

La segunda parte del rodaje se lleva a cabo en el corazón del barrio de la infancia de Truffaut, la Rue de la Fontaine.

La escena en la cual Antoine llega con intención de devolver la máquina de escribir robada es una referencia autobiográfica sólo que él no devolvió la máquina de escribir y este es uno de los cargos que lleva a sus espaldas cuando su padre lo abandona en comisaría y acaba en un reformatorio.

La finca en la que se coloca a toda prisa el cartel de Centro de observación de menores no se parece en nada a una cárcel ya que es en realidad una casa de campo y esto no acabó nunca de convencer al director.

Después de 40 días de trabajo concluirá el rodaje el 5 de enero de 1959.

El 22 de Enero de 1959, Madeleine Truffaut, esposa del director, dará a luz a una niña, Laura, la primera de las tres hijas del director.

Marcada por el luto del primer día de rodaje, Los 400 golpes concluye con un nacimiento.

ACCIÓN RESOLUTIVA DE LA OBRA:

Es muchísimo lo que plasma de su vida en esta película, no hay nada prácticamente que él no haya vivido, lo que sucede es que no todo está plasmado tal cual quedó en el recuerdo del director.

Entre esas vivencias personales se encuentran el hecho de que la madre no le haga caso, que el padre no sea su verdadero padre, que ella se vea con un amante y que el niño lo descubra, la escusa que da en el colegio por hacer novillos: “mi madre ha muerto” y el bofetón del padre, esto es algo totalmente biográfico. Que lea Balzac, no es casual, se cuenta entre los escritores favoritos de Truffaut, que le lleven a comisaría y su posterior ingreso en el reformatorio sucede así sin embargo no es biográfico que se acabe al final escapando, Truffaut no se escapó del reformatorio.

 Que se quedase sólo por que su padrastro  iba a las carreras de coches durante fines de semana enteros y él se iba al cine, esto es biográfico salvo que no era por los coches sino porque practicaba junto a si madre alpinismo.

La película nos va mostrando como el adolescente debido a  la incomprensión, por ser introvertido con su familia, va pasando de pequeñas gamberradas, que son un poco normales, a ir cada vez a más, a acabar acusado de robo y encerrado en el reformatorio ya como consecuencia final de todas las acciones.

Somos capaces de percibir que sobre el final de la película Antoine es víctima de las circunstancias, que no es malo, que no habita la maldad en su interior sino que es una acumulación de fatalidades ya que él, la segunda vez que se escapa lo hace porque le acusan injustamente de copiar a Balzac, cuando él ahí no quería defraudar a su madre y se ve envuelto en una circunstancia que le supera decidiendo volver a escaparse.       
Más tarde se va al desván de su amigo y como quieren montar un negocio decide vender una máquina de escribir que ha robado en el lugar donde su padre trabaja. Al final él iba a devolverla pero le pilla el guardia, que por otra parte quiere demostrarle a su padre que no se le escapa nada porque al parecer ya había tenido algún que otro roce con él que le había dicho que no era buen guarda y emplea al niño un poco como venganza personal contra el padre  para que vea que si que hace bien su trabajo y que encima el ladrón es su hijo.

Respecto a la tipología del final que aquí presenciamos estaríamos ante una acción resolutiva entre abierta y dramática. Final abierto: porque no se concluye de manera abrupta, se deja congelado el último fotograma de la película y no sabemos si le van a coger o no o qué será lo que suceda a continuación, sin embargo, a lo largo de la trama se han ido haciendo cada vez más dramáticos los acontecimientos y nos conduce como espectadores a que pensemos que bien no le irá. Las acciones y reacciones presenciadas  no han sido en vano y no nos hacen presagiar que su suerte cambiará a efectos inmediatos  porque durante toda la narración de los que hemos sido testigos es de que iba a más, cada cosa que le sucedía conducía a otra con un mayor peso dramático y consecuencias cada vez más funestas.

En cualquier caso el final abierto es uno de los paradigmas del cine contemporáneo y no soy yo nadie para cerrar el final, tan sólo he apuntado mis anotaciones en relación al climax dramático, es más no podemos cerrar la historia de Antoine pero si atendemos a que son hechos biográficos, después de pasarlo mal Truffaut acabó dedicando su vida al cine que era algo con lo que había soñado, con lo que muchos sueñan y no consiguen, así pues también podíamos señalar un final feliz.

CHUNGKING EXPRESS:

WON KAR-WAI:

CHUNGKING EXPRESS:  

(Pequeño icono del cine de los 90” rodada en Hong Kong).

La escena de apertura es plasmación del movimiento y provocación de la impresión de frenetismo propia de la ebullición de la vida en la ciudad.

Hay un tratamiento especial de la atmosfera, logra esa impresión de movimiento no con la simple captación del mismo sino dando un paso más, está plasmado el movimiento como los impresionistas lo hicieran en su momento en la pintura, emborronándolo, porque así era como quedaba el movimiento en la fotografía que tuvo su auge en el mismo momento, emborronado, movido, desenfocado. Los momentos de mayor acción están tratados de la misma manera.

Está película fue rodada en dos semanas para hacer algo mientras intentaba borrarse el amargor del fracaso de sus dos primeras películas y con bajo presupuesto. Se convirtió rápido en un gran éxito, en el reconocimiento buscado y merecido no solamente en su país.  Aún así  no deja de ser un director reconocido solo entre los cinéfilos y el cine de filmotecas hasta que rueda In the mood for love y 2046.

En Chungking express dotó a los actores de una gran libertad dramática, les dejó hablar a su manera con plena libertad para la construcción de sus diálogos y el resultado es la emanación de sentimientos tan reales que cobran vida propia en la pantalla. Hay que recalcar que el director nunca cierra un guión del todo y esa costumbre de construir la película en el propio rodaje exaspera a los productores de sus films.

El empelo de la música como elemento narrativo es algo que destaca y es una marca de sello personal en su cine.

Llama la atención la manera de tratar el tiempo en determinados momentos así vemos el recurso temporal usado en el bar en el que los personajes quedan quietos mientras la multitud se mueve acelerada por el montaje. Es una forma de dilatar el tiempo mientras el protagonista toma café en el local al que suele acudir y en el que hay una joven misteriosa. Más adelante cuando espera en el bar California se dilata el tiempo mediante la misma técnica simbolizando lo largo de la espera de ese amor que nunca llega ¿o sí?

Won Kar-Wai nos deleita con su expresión del vacio que causa el desamor en los personajes, personajes por otra parte que debido a estar inmersos en la cultura china que censura la expresión de los sentimientos en público solamente los expresan a su voz interior la cual se nos muestra mediante una voz en off.

Podemos ser testigos de la herencia que dejó la Nouvelle Vague en el cine de este gran

director y de la influencia, entre otras cosas, del estilo anarquista de Al final de la escapada de Godard. 
Para los que la quieran ver aquí dejo el enlace de una versión original que tiene subtítulos en castellano pero es fácil encontrarla con ellos en inglés:
http://www.youtube.com/watch?v=T3StVewBDmQ

BUSTER KEATON Y HAROLD LLOYD:

CONTINUAMOS CON ESE TRANSFONDO QUE ENCIERRAN LOS GRANDES DEL CINE CÓMICO DEL QUE HABLAMOS DURANTE  ESTE MES EN ESTA SECCIÓN:            ***** “NOS VEMOS EN LOS CINES”:

Si el otro día hablábamos de Chaplin, de su vida, de su cine y de la crítica al sueño americano hoy vamos a hablar de la lucha de Buster keaton por subir el peso del argumento por encima de lo cómico, es decir, por hacer de lo cómico algo más y del cine por añadidura.

(Corte de sonido 2 Buster Keaton  de fondo para que esté sonado todo el rato de fondo mientras habló hasta que llegue El corte del Maquinista, 10;51 min).

Comparte con Chaplin ese esfuerzo y con Harold Lloyd. Habláremos también de él  pero en este caso para hacer una crítica por ser la antítesis de Chaplin en el sentido ideológico.

Veíamos el otro día como las películas de cine cómico al comienzo eran breves y poco a poco van aumentando su metraje. En ese momento inicial se trataba sólo de crear  espectáculo y a base de pequeñas dósis la cosa se va dotando de consistencia. Uno de los grandes que propicia esto, como adelantábamos, fue BUSTER KEATON:

Buster Keaton, conocido también como cara de palo, nace en 1895 en el estado de Kansas en los Estados Unidos. Era hijo de unos actores de circo que en sus acrobacias se pasaban al pequeño Keaton de una parte a otra del escenario.

Hubo gente que se escandalizó e intento denunciar a los padres que alegaban que el niño era cómo de goma, que no se hacía daño. Y es que Keaton ya con medio año de vida cayó desde unas escaleras que se habían descompuesto y salió indemne del accidente.

Era verdaderamente un hombre muy elástico. Buster Keaton fue actor, director y guionista, llegó a tener su propia productora  la “Buster Keaton Productions”. Nunca empleó dobles, cosa que le llevó a sufrir no pocos accidentes. Uno de ellos le provocó un fuerte impacto en la cabeza que lo dejó ciego a temporadas y a partir de ese momento en sus periodos de ceguera se sumía en la depresión.

Al igual que sus contemporáneos Keaton provino del vodevil. Su padrino fue Harry Houdini, quien lo bautizó "Buster" (el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años.

Una de las características más importantes por las que Buster Keaton ha pasado a la memoria colectiva es por  mantener la cara inmutable, inexpresiva, ante situaciones hostiles.  Introdujo cierto surrealismo en sus películas y su perspectiva de autor lo que le hizo menos comercial que Chaplin por ejemplo.

Keaton fue muy polifacético destacó en múltiples cosas, incluso llegó a escribir en el New Yorck Times.

Nos dejó películas como la mítica: “El maquinista de la general” en la que  Johnny Gray (Buster Keaton) es maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). En 1861 al estallar la Guerra de Secesión Johnny intenta alistarse pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia.

https://www.youtube.com/watch?v=YCQjHj0Jo3E

 (Corte de sonido, Buster Keaton Maquinista, 2:36 que comience a sonar y en 20 segundos yo entro a hablar y que ya quede de fondo).

También no dejó películas como “El moderno Sherlock Holmes”, “Siete ocasiones” o “ La casa eléctrica” que recomiendo que vean si no han visto.

Pero su final constituye una de las historias tristes del cine. Cuando llegó el cine sonoro hubo actores y actrices que desaparecieron porque la imagen de los actores no coincidía con la voz que tenían, no le gustaba a la gente.

Como nos suele pasar precisamente cuando escuchamos la voz de una persona y luego la conocemos físicamente, que nunca te la imaginas como es. Por ejemplo en la radio, con los locutores ha pasado mucho oyes una voz que no corresponde con cómo te lo has imaginado físicamente. Porque la voz y la imagen de una persona es algo que tenemos que percibir junto, sino nos descuadra y esto pasó pero al revés cuando el sonido llegó al cine.     ¿Os ha pasado alguna vez imagino con alguien, no?

A Buster Keaton lo que le sucedió es que tenía una voz muy grave y a nadie le gustaba. Perdió su productora, lo contrató la Metro, trabajó como guionista pero empezó a tener problemas con el alcohol al ver que toda su carrera se había derrumbado.

Acabó perdiéndolo todo, incluso la cabeza y terminó completamente sólo vendiendo juguetes en una estación de tren.

Su última aparición en la gran pantalla fue cuando Chaplin lo rescata del rincón de los olvidados para rodar “Candilejas” en 1952.

Él que había sido tan grande, un verdadero pionero, tiene ese final tan triste que muestra que la fama puede llegar a ser muy cruel. Buster Keaton muere completamente olvidado y abandonado en 1966.

Ahora como lo prometido es deuda vamos a hablar brevemente de HAROL LLOYD.

(Corte de sonido 4 Harold Lloyd para que comience a sonar de fondo, 1;04 seg).

Harold Lloyd  nace en California en 1893, aparece incluso antes que Chaplin  en la compañía de Edison haciendo de extra. Tuvo multitud de personajes pero el que nosotros conocemos o el que le hizo más famoso fue el hombre de las gafas. Tampoco tenía dobles y sufrió como todos muchos accidentes. En 1919 rodando un anuncio le estalló una bomba, perdió la vista y la recuperó con el tiempo.

Aunque fue uno de los grandes del cine cómico y eso nadie lo puede negar, si cabe que se le haga una crítica desde aquí, desde la emisora, ya que el personaje que diseñó fue el prototipo del americano perfecto, el final feliz asociado al sueño americano que veíamos precisamente con Chaplin que es mentira. Si veíamos en el programa anterior que el gobierno americano persiguió siempre a Chaplin por criticarlo, a Harold Lloyd por ser  tan condescendiente con el mensaje del gobierno, este le apoyó. Tuvo mucho éxito, se adaptó bien al sonoro pero siempre fue criticado por la condescendencia excesiva a los ideales americanos. Vamos a recomendar que vean de él si no han visto al menos: “El hombre mosca” de 1923 o “El estudiante novato” de 1925.

De entre los dos ¿habéis visto alguna película de ellos, con cuál os quedaríais?

**Vamos a hacer ahora un breve repaso de la agenda de cine independiente o      alternativo que tenemos para este fin de semana:

En el cine Doré de la Filmoteca Española que tenemos aquí al lado detrás de la Plaza de  Antón Martín para hoy a las 21;30 una muestra de vídeos de la Plataforma Nuevos Realizadores con “Todos mis vecinos son inmigrantes” de Pedro Estepa y Elena Ferrándiz del 2012, “La magia del camino” de Juanjo Domínguez y Sonia de Carlos, del 2012, “La apuesta de Pascal”…ect. Mañana continúa la muestra de nuevo cine turco que tenía lugar durante este mes, como anunciábamos en el programa anterior, a las 21,45h con “Kader/Destiny”: Premio a la Mejor Película en el Festival de Nuremberg en 2007. El domingo a las 17.30 también tienen para degustar cine turco.

En el Círculo de Bellas Artes, en Álcalá 42,  para este fin de semana tienen una muestra que han titulado: “Rossellini Desconocido”, a mi juicio merece la pena que vayan.

Hoy tienen tres películas, mañana también y el domino igual. “Ánima negra”, “Fugitivos de la noche”, “Desideria” o “La toma de poder de Luis XIV”, son las películas que se van a mostrar.

Hoy en Matadero de Legazpi  a las 19h proyectan “Farenheit 451” de Truffaut de manera libre y hasta completar en aforo.

 Mañana y el domingo tiene una muestra de documentales Turcos en varias horas; a las 17h, 19.30 y a las 20h. Hoy a la 22.30 “Volar” documental de Carla Subirana en el que por primera vez se filma la vida en una academia militar española y sus cuadriculadas normas. Tenemos un poco de todo, me gustaría anunciar antes de dar carpetazo a la sección que para el mes que viene en la sección voy a llevar a cabo un ciclo temático sobre cine vasco que creo que ocupará un par de meses porque es mucho material el que tengo, damos así un salto desde los inicios del cine a algo más contemporáneo y que es muy interesante conocer.

CHARLES CHAPLIN, regreso a la emisora con un especial sobre los grandes del cine cómico.

Mi sección en la emisora ahora tiene nombre, la he titulado: El escaparate de las delicias o Nos vemos en los cine( Aún espero el visto bueno).

SECCIÓN  “Nos vemos en los cines”  Hoy en el especial: Grandes del cine cómico,

                                          

 CHARLES CHAPLIN;

En un primer momento el cine cómico tenía un único objetivo; crear espectáculo y nada más. Golpes físicos, juegos de palabras o el gag, que desarrollaría más tarde Jerry Lewis son características de este género. Los actores provocaban la risa primero con movimientos corporales, más tarde con la llegada del sonido al cine, allá por 1927, se incorporarán diálogos y juegos de palabras.

Los temas ideológicos se introducen en el cine cómico de mano de Charles Chaplin, del que hablamos hoy, y al cual le ocasionaron no pocos problemas.

No hay registro de su nacimiento, es poseedor de una biografía misteriosa. Debió nacer en 1899 en la calle Londinense de East Lane, no era un buen momento para la familia. Su infancia no fue feliz. Pertenecía a una familia judía muy pobre, su madre era una gitana de le etnia romaní y el padre era un alcohólico. Ambos eran actores de teatro. El padre muere y la madre enferma de esquizofrenia, finalmente muere. Ambos hermanos van de orfanato en orfanato. A los 16 años Chaplin asumió la custodia legal de su hermano.

Es el hermano de Chaplin el que comienza como  niño prodigio en la compañía de Fred Karno. Él le habla de Chaplin. La compañía se lleva a los dos hermanos a EE.UU y poco a poco el nombre de su hermano se ensombreció.

Introdujo en su cine una visión social contra la que tenía  el gobierno americano. Se molestaron mucho con él al ser un momento en el que se persiguió el comunismo y además él no era americano. Lo consideraban una ingratitud porque allí había cosechado su éxito. Cada movimiento suyo era anotado en el comité de actividades antiamericanas  pero nunca pudieron hacer nada contra él porque la gente lo adoraba.

Criticó duramente el sueño americano, aquel por el cual cualquiera con trabajo duro puede llegar a lo más alto. Él siempre sostuvo que a veces hay personas que se esfuerzan mucho y es poco lo que consiguen y otras se esfuerzan poco y es más lo que tienen. Lo estamos viendo ahora mismo.  ¿Qué pensáis, tienen hoy en día vigencia las palabras de Chaplin?

(Cuando se de respuesta a la pregunta que comience a sonar el corte de sonido El inmigrante 00:53 seg).

En este cortometraje que escuchamos de fondo, El Inmigrante de 1917,  queda plasmada toda esta crítica al sueño americano.

En pocos minutos de duración el que para muchos es el mejor cortometraje de Chaplin, ¿no sé a vosotros?,  nos muestra como La América de las oportunidades no es tal y como las personas siguen siendo las mismas, como las esperanzas de algunos se convierten en una continua pelea con las autoridades en pro de sus derechos, o incluso individuos que no logran cambiar sus harapos a pesar del esfuerzo con el que luchan por el fin de despegarse de la etiqueta que por su aspecto se han ganado frente a los demás.

Es con “El chico” ,que en el proyecto original era un cortometraje, con la que da el salto al mudo del largometraje y que aún hoy sigue recaudando dinero.

Desde hace algunos años podemos ver como se estudia con más seriedad el caso de los  niños que han crecido en soledad, en la miseria moral física o material y los especialistas describen el autismo como un mecanismo de defensa. Lo vemos en los hechos y los gestos de ese personaje vagabundo, de Charlot. No es un antisocial sino asocial porque él si que aspira a entrar en sociedad. Si los objetos deciden ayudar a Charlot es tan sólo al margen del sentido que les había asignado la sociedad. Una cosa curiosa de Charlot es que sólo da patadas hacia atrás como acto simbólico de no estar ligado al pasado, ni de arrastrar a nadie tras él ¿Lo sabíais?

 Usando la terminología actual diríamos que Charlot es un marginado y en su género el más marginado de los marginados. Convertido en el artista más famoso y rico del mundo se ve obligado, por la lógica, a dejar el personaje de vagabundo pero siendo consciente de que los papeles de “ hombre instalado” le están prohibidos.  ¿Haríais alguna crítica a este hecho, qué os parece a vosotros?

Debe cambiar el mito pero seguir siendo mítico, es entonces cuando rueda películas como “El Gran Dictador”en 1940. Para ella crea un alemán inventado que da realmente el pego, vamos a escucharlo;

(Corte de sonido El gran dictador 00:26 de 1:26 de duración total).

La película trata de un humilde barbero judío que tiene un parecido asombroso con el dictador de Tomania, un tirano que culpa a los judíos de la crítica situación que atraviesa su país. Un día, sus propios guardias lo confunden con el barbero y lo llevan a un campo de concentración. Al mismo tiempo, al pobre barbero lo confunden con un tirano. Una burla que debió conmocionar a Hitler, que en ese momento estaba en su apogeo y además Chaplin era judío, gran valentía la suya.Vamos a escuchar parte del mítico discurso final.

(Corte de sonido El discurso del Gran Dictador 00:52 después de las palabras…pensamos muy poco…)

De 1952 es la película “Candilejas”, consiguió un Óscard a la mejor banda sonora, compuesta por Chaplin, una nominación al Óscard al mejor guión original. Retirada de las pantallas estadounidenses poco después de su estreno cuando Chaplin ya no puede más y se convirtió en un exiliado político de los Estados Unidos.  Y aunque dijo que jamás volvería a pisar suelo americano volvió en 1972 a recibir un premio honorario por toda su carrera cinematográfica. Lo cogió y se volvió a ir, esta vez ya para no volver  nunca.

(Corte de sonido Candilejas, son 00:43 seg pero yo hablo sobre ello y me callo un poco al final cuando canta con Buster Keaton).

En esta película vuelve al mundo entrañable de las tablas y las candilejas de su infancia cuando nuevamente en Inglaterra resucita el mundo londinense del espectáculo de la primera anteguerra. Comparte escenario con el gran Buster Keaton, ya mayor, también un grande del género cómico, en la que sería su última aparición pública.

Decir qué película o cortometraje de Chaplin nos gusta más a cada uno.

Agenda de cine independiente o alternativo, recomendación;

Tenemos una muestra de nuevo cine turco, aquí muy cerquita, en el Cine Doré de la Filmoteca española, que arranca precisamente hoy a las 19.40 con Uzak.

Mañana también hay cine turco,  a las 19.50 la película Tres monos.

El domingo a las 20.00h hay una película japonesa, en la filmoteca también, La mirada japonesa; paisajes humanos. Una épica aventura de los primeros exploradores japoneses modernos.

Uno de los ciclos temáticos que aborda este mes filmoteca española es precisamente el de cine turco, con el nombre de ARCO 2013-Nuevo cine turco. Al menos un par de películas turcas a la semana va a haber todo el mes.

En el círculo de Bellas Artes hay un ciclo temático que se titula Cine de Vanguardia: una aproximación, que ha arrancado el 10 de enero y que finaliza este fin de semana, el tres de Febrer, que analiza la vanguardia de los años 20 y de los 50. Unas películas actualmente alejadas de los cauces comerciales como son; El gabinete del doctor Caligari, El Golem, La brujería a través de los tiempos…Hoy a las 22.00h. Mañana a las 22.00 La sangre de un poeta.

El fin de semana que viene el ciclo; Películas en diálogo. Reflexiones entre el cine y la pintura.

Hoy en el matadero a las 22.00 hay un documental de Weide sobre Woody Allen.